瑞蒙德.艾普丽尔生于新不伦瑞克省蒙克顿市,出生后不久即随家人回到魁北克定居。20世纪70年代以来，艾普丽尔凭借其对图像叙事手法的发掘影响了魁北克乃至加拿大的摄影界。她被认为是自我叙事摄影的先驱，将自传与虚构两种手法融为一体。艾普丽尔目前任蒙特利尔肯考迪亚大学艺术创作系教授兼系主任。

“我避免情感化和直线性的叙述,相反地,我采用的是支离化和杂乱性的叙述，混合节奏和轻重各方面。我的组织过程是决定于影像本质的联想，而不是出自它们经历的含义。透过我加入的逻辑和联系，构建出全然不同的影像画面或词组。”——瑞蒙德.艾普丽尔

摄影师访谈

Ho Tam：你是如何对摄影产生兴趣的？怎样成为了一名艺术家？

艾普丽尔：我父亲对摄影很感兴趣，我还很小的时候他就在地下室搞了个暗房。我还记得当时看影集和底片的情形，那些底片很吓人，因为图像都是反过来的。小时候对摄影的感情一直伴随我长大。后来我上艺术学校时，摄影还未被认可为一种正规的艺术形式，更像是一种为了平面设计和广告而生的沟通工具。当时我试图搞绘画或雕塑，但都不怎么成功，于是我决定以摄影作为我的媒介进行艺术创作。这个决定着实令我松了口气，感觉非常好。我一直努力去做的绘画和雕塑没有任何收获，而作为兴趣的摄影却给了我很多回报和乐趣。我想我忘记了这其实早就源自我的父亲和他的暗房，我还以为是我自己做出了这个重大发现。我从未受过正规的摄影训练。在魁北克的艺术家画廊“白室”工作时，我结识了一些艺术家，大家互相评论彼此的作品。他们当中的许多人搞行为艺术，也有人做视频和装置艺术，这些都对我的创作方式有所启示。我创作卧室自拍系列时就像一种行为艺术，只不过面对的是相机，而不是公众。

Raymonde April《Coeurs_dormeuse》1998

Ho Tam：你的创作主题和重点是什么？

艾普丽尔：我想我的主题是我身边的那些能使我产生强烈感觉，并且能够转化为图像的种种事物。日常生活中，在我面前的许多事物都能变成图像，当这个过程发生时我就抓住机会，去拍摄，去观察，去创造出它们之间的联系。我所感兴趣的是在图像之间创造出叙事关系——图像不是最终目的，当你把图像组合在一起时会有更多的事情发生。所以说到题材，我身边的任何东西都是可用之材。我的拍摄对象包括静物、人像、风光、景致和游记，而且我发现照片中的人物通常身处某个景观或空间内部，从某种角度看他们处于一定的背景之中。因此，肖像照往往同空间或地理景观有某种关联，这种关联对我来说非常重要。我少年时期受到文学和电影的深刻影响，这或许可以解释为什么我的作品中会有文学和电影的叙事感觉。但“叙事”这种词直到我上世纪70年代上艺术学校时都不是什么好词儿，那时候观念艺术和简约主义大行其道，一切叙事的或有诗意的艺术创作都是禁忌。当时的摄影全是关于社会、身份、环境变化等纪实性的，把叙事性带回到艺术创作之中是我做出的最佳决定。我的叙述不是讲故事的那种逻辑，而是更接近于写作。当你写作的时候，每一个字不只是在描述，还得和前后的内容互补、互相影响和冲击——这就是我组合图片的方式，并非简单的线性逻辑。我不想把一切都说出来，而是保留映射和解读的空间。在我早年的作品中，图片相互呼应重叠，造成一种诗意般的感觉。最近我感兴趣的是记录、纪实和存档的意义——在重读的过程中，“旧”的照片里冒出了新的思考。我选择图像的出发点不在于它们是否具有某种个人的或者※※的重要意义——而是要用较为客观的角度去处理这些“旧”照片。现在我的系列作品中的照片数目较之以前越来越多了，这也是我近年来在创作上的一个变化。我作品的主题总是与我亲近的人或物有关，所以没有必要再去强调这种私人的或亲密的感觉，它很明显摆在那。我是用一种理性而有距离的方式去处理这些影像。我不是在表达感情，尽管可能有人觉得它们很感性，但这不是我的本意。感性的东西太冗余了，我所感兴趣的只是那些零碎片断，让它们以一种很微妙的方式唤起人们的直觉。

Raymonde April《10 images seules_4amis》2004

“我避免情感化和直线性的叙述,相反地,我采用的是支离化和杂乱性的叙述，混合节奏和轻重各方面。我的组织过程是决定于影像本质的联想，而不是出自它们经历的含义。透过我加入的逻辑和联系，构建出全然不同的影像画面或词组。我珍惜在长期工作中萌生的慨念和愿景，多于一天复一天的作业。有时一些想法会持续数年的历程，它们在我的意识里慢慢的转化，再重新出现变成我的创作对象。”

Ho Tam：你是如何开始创作的？能否谈谈你的创作过程？

艾普丽尔：在理想状态下我没有创作计划，经常是漫不经心地对某个主题或某个想法有了兴趣。但也并非总是这样，比如办展览时工作很紧张，我会预先分配好工作时间，对发生的事情反应更敏锐。我说的理想状态更多地出现在夏天去旅行的时候，不用每天回复邮件、买杂货、工作等做那些琐碎的事情，只是拍拍照片，看看效果，然后用它们创作。要是有遗漏的就再补拍一些。有时我也翻翻以前的作品，看是否有图片能让我找到新感觉，有的话就把它们打印出来，为下一步的创作方向提供参考。拍摄时我基本不做准备，也不用影棚，偶尔会用到三脚架。我一般就同一个情景拍上好几张，但我相信第一张通常是最好的，因为第一张才是事情自然发生的时间，之后你刻意想让事情发生已经不现实了。有些人会反复拍到满意为止，但我对到手的照片总是很满意，万一不满意我干脆就不用。这些年来我的创作方式可能已有所改变，但我仍然最喜欢创作初始阶段拍出的第一张照片。我也常把自己当做模特和主题拍摄自画像。这种情况下必须设置好相机，因为无法看到自己，还必须用定时器做提示。这就像是谜一样——你不知道拍出来结果怎样，甚至不知道你是否在取景框里或是处于构图的哪个位置上。

Raymonde April《Equivalences_Atelier rue Préfontaine》2010

Ho Tam：你认为什么是好的摄影作品？

艾普丽尔：知识含量是好照片的重要因素，对我来说摄影和知识紧密相连。纪实摄影的有趣之处在于我能从中学习和整合某些东西，而关于日常生活的摄影则能令我近距离地观察生活，并由此反思自己看待周围事物的方式。当然，美和时间感也是很重要的。时间感让我意识到这些事物是存在的，但它们被搁置起来了。时间的停滞很有趣，时间本身被压缩了，但图片会存活很久。这正是我在照片中寻求的东西。我不喜欢容量太大的照片。我喜欢会呼吸的照片，寻找开放感和受到邀请的感觉，希望能有我参与其中的空间。如果该说的都说了，该做的也都完成了，你就无法真正走入图像里面。有些人的作品很美，难度很高，但却无法引领你去感悟其它的东西，因为图像里的一切都过于明了。当我想选取某张照片进行创作时，很难说选择的标准是什么。有时就是常规的理由，比如灰色和黑色的搭配，某种线条感或过滤感吸引了我。我喜欢图中有图的照片。这就是我的模式，或许是与生俱来的。

Raymonde April《Equivalences_Rayon》2010

Ho Tam：你觉得观众对你的作品有误解吗？

艾普丽尔：我觉得观众能很好地理解我的作品内容，不明白的可能是为何我把如此平庸的图像放得这么大，为何这样的照片能在美术馆展出。但如果联系我的创作过程，大部分人就能够很容易地理解这一点。有时人们会把形式和主题混为一谈，比如我拍张我的母亲的照片，你拍张你的母亲的照片，但这两张照片未必是在说同一件事或者有着同一个目的。照片背后往往有它的观念，这个不太容易理解。

Raymonde April《Equivalences_Rideaux》2010

“当我工作的时候，我从不会在脑中定下项目。我不允许自己作任何的思考。我拒绝做计划。我宁愿让新的事物入侵我的思维，期待着一些能对我生活的污染。我在笔记本记下无关的故事，我宁愿去听，特别留意那些我爱的人说的话，我为天花板上的裂缝冥想。我保持着距离去观察生活。我慢慢的‘储蓄’我的素材，在未来的某个时刻它们将表明我应该做什么。经过一段长时间的积累，我将影像细心研究，组织和分类。逐渐形成了一些摄影的叙述 。”

Ho Tam：你如何看待摄影与其它艺术形式的区别？

艾普丽尔：我觉得摄影很※※，是一种平易近人的艺术形式，因为每个人都能拍照片。它也有不太“艺术”的一面——可以被当作一种语言，用在许多用途上，好比写作一样，你可以用它写日记、写散文或是写小说。摄影的构思过程至关重要。绘画是一种行动上的创作，你和素材一起工作，绘画行为本身会将你带至某种境界，往往令你不知不觉就入了神。雕塑也是对有形之物的创作。摄影则是精神创作，要凭着直觉做事。你的作品是一系列决定的结果——你可以拍大或拍小，挂在墙上或放在书里，每一个决定对最终结果都会产生影响。这便造就了瞬间抓拍的照片和在墙上展示的艺术作品的区别。你必须清醒地知道自己在做什么。摄影的特殊性还在于它是一种技术语言，摄影家得和这种技术及其行业的发展相呼应，而这种发展变化从未间断。你若是个画家，就不会遇到这种问题，因为你总有颜料和画笔用。但若是摄影家没有胶卷，就得不断调整自己的创作方式以适应现状。所以，换个角度思考，摄影也是种怀旧的媒介，你得用不同的方式和技术表达相同的想法，这并不容易。

Raymonde April《Equivalences_Tableau Michèle Waquant》2010

“在我的影像还没成为系列的一部分以前，它们只是存在样本里，一堆堆的小照片都被收藏在小盒子里。通过相关的题材和重复的人物面孔，他们都包含着引发灵感的血缘关系。这些支离但又贯通的联系为作品开放了各种自由和不同的解释和鉴别。任何试图特定的和更具体的处理只会控制理解，以产生某种预期的效果。我对此并不特别感兴趣。我想建设的是一个更大的氛围和空间，而不是去被理解。”

Ho Tam：你如何看待商业摄影？

艾普丽尔：我说过摄影有许多种用途，商业是其中之一。我自己没做过商业摄影，平时可能会帮朋友一些小忙，比如制作邀请函、拍肖像照等等。许多摄影艺术家得靠商业摄影为生。我不做商业摄影，但我教书，这是我养家糊口的方式。

Ho Tam：你除了摄影还做什么？

艾普丽尔：我喜欢观鸟，做瑜伽，出去旅行。旅行大多因为工作原因，我常收到来自各地的邀请。夏天的时候我会回到孩童时代的家乡狼河，需要从蒙特利尔开上4个半小时的路程。我母亲住在那里，我夏天会去那儿呆上5到6周。

Raymonde April《10 images seules_Miroir》2010

“摄影的构思过程至关重要。绘画是一种行动上的创作，你和素材一起工作，绘画行为本身会将你带至某种境界，往往令你不知不觉就入了神。雕塑也是对有形之物的创作。摄影则是精神创作，要凭着直觉做事。你的作品是一系列决定的结果——你可以拍大或拍小，挂在墙上或放在书里，每一个决定对最终结果都会产生影响。这便造就了瞬间抓拍的照片和在墙上展示的艺术作品的区别。你必须清醒地知道自己在做什么。”

Ho Tam：你对中国的摄影艺术有了解吗？

艾普丽尔 ：我在北京市区待过一段时间，去了798艺术区和一些艺术家聚集地。比起艺术作品，我对那些建筑的印象更为深刻。那里的出版业也在发展，艺术书藉都印得精美而名贵。我的向导还带我去了※※美术学院，校园里有六栋建筑，很宏伟，据悉每年有10000名学生想报考那里。但总的来说我了解不多，有机会的话我还想再回去多看一看这个国家。

Raymonde April《Monde des images_Atelier》1985-1999

艾普丽尔：我觉得观众能很好地理解我的作品内容，不明白的可能是为何我把如此平庸的图像放得这么大，为何这样的照片能在美术馆展出。但如果联系我的创作过程，大部分人就能够很容易地理解这一点。有时人们会把形式和主题混为一谈，比如我拍张我的母亲的照片，你拍张你的母亲的照片，但这两张照片未必是在说同一件事或者有着同一个目的。照片背后往往有它的观念，这个不太容易理解。

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我觉得观众能很好地理解我的作品内容，不明白的可能是为何我把如此平庸的图像放得这么大，为何这样的照片能在美术馆展出。
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【观众，理解她聊吗，窝们滴大姨术家？】
【到美术馆展出，本身就是背书、特权、暗示！】

比如我拍张我的母亲的照片，你拍张你的母亲的照片，但这两张照片未必是在说同一件事或者有着同一个目的。照片背后往往有它的观念，这个不太容易理解。
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【老太太像都不一样，观众理解她聊吗？】

看了夕降东升和眼镜两位老师的对话，有点意思。首先，我劝夕降东升老师不要涉及政治话题，肯定禁言。

东西方的文化差异是巨大的，审美情趣也不相同，这种事我们应该如何面对？

国画大家都喜欢吧，之所以喜欢，是大家都能接受这种艺术形式。为什么摄影会曾经走画意摄影的阶段，模仿绘画，我觉得其中一个原因，就是摄影太具象了，拍出来一目了然，没有抽象性，不像绘画，任何一种流派都带有抽象性，那怕是写实主义的作品，仍然有笔触上的感受，绘画的艺术性和感染力，很大部分来自其抽象性。西方的当代作品不好接受，其中一个原因就是抽象性太强，甚至有点离谱（以我们的观念习惯来讲）。前面讲到国画，事实上国画的抽象性更大，特别是大写意作品，在西方人看来，稀里糊涂一大堆墨，不知所谓。赵无极在杭州艺专交考试作品时，在试卷上涂了一个大墨团，潘天寿问他画的是什么，他说是石头，这抽象大了去吧。

既然国画是如此抽象，为什么大家都看的懂，看的喜欢，而对西方艺术却不行呢，当然是文化差异与审美差异，那么，这两者就没有共通的地方吗？还是我们压根就不去动脑筋思考和学习呢？

个展展出了几期西方当代摄影师的作品，反应不热，我觉得大家的心态还是比较懒，看糖水片当然安逸，不用动脑筋，不过，我觉得把心态调整一下，还是很有意思的，好比苦行僧，修行虽苦，却在精神世界里得到升华。

瑞蒙德-艾普丽尔的作品，乍一看，觉得不好看，不美，拍的是什么呀，几近举手一拍的烂片。事实上，如果大家开动一下脑筋，仔细研究一下，就会发现不平凡的地方。首先，他对人物情感的捕捉是很到位的，对人物的生活状态的表现，也是不流俗的。一些西方摄影家和日本摄影家，对摄影的认识更为本质和接地气，把身边的人和事都拍的很好，像南-戈尔丁、迪安娜-戴克曼、莎莉-曼等等，还有日本几位大家都熟悉的摄影师，都是我们的榜样，而中国的摄影师就很少拍这种题材。

瑞蒙德-艾普丽尔的艺术作品，以其独特的光影效果，展现出来的，是一种深沉的、朴实的艺术风格，很接地气。我觉得我们先排除心中的成见，静下心来观赏和理解这些作品，应当是可以学习到一些东西的。我曾与一些摄友谈到这种话题，我个人认为，对于西方的当代作品，不要看不懂就排斥，看不懂、理解不了不打紧，能对作品有个不流俗的印象也是不错的，艺术这种东西就是潜移默化的。也不要老喊民族主义的口号，摄影是个舶来品，人家已经发展到什么高度，我们才开始开照相馆的，往后的百来年中国一直处于动荡阶段，改革开放的时间也很短，还走过弯路，所以，从来就没有好好发展过，这是现实。所以，我们向人家学习是必然的，当然，我不是否认我们传统的东西，学习是为了兼收并蓄，为了更好提高咱们自身的艺术水平。

互为老师。
我理解的艺术:
您看了某件作品说好，这还不算艺术，得大家说好才算艺术；
但大家说好还不算大艺术，权威专家说好才是大艺术。
权威专家说好口说无凭，一般是颁发证书，作品不光是艺术，
作品的作者也成了艺术家。

假如作品成了大艺术，作品的作者成了大艺术家，
那么您的感知、评价，以及是否能引起共鸣，就不重要了。
所以艺术嘛，就是您无法、乃至永愿无法理解的，作品。
夕降东升 编辑于 2024-07-08 00:12

老师能展开说说什么是艺术吗？摄影师和摄影艺术家的区别在哪里吗？

看看而已

袭人都是云端上的人，接地气作出宇宙作品？
所以，窝们看不懂。
的确也有可能。
有人说黑格尔的精神现象学和歌德的浮士德，很多德国人都看不懂，
它们看似接天气写出来的。
夕降东升 编辑于 2024-07-07 16:49

不可否认，袭人创作思想方面比窝们要自由得多，这个不仅仅是创作方的自由，还有受众方的包容
从特定角度而言，这正式袭人创作“接地气”的地方
而窝们目前的“地气”与袭人那边完全不同，所以“接地气”的作品类型肯定不能照搬，人家那边“接地气”的窝们这边可能正相反，更何况人家那边可能都是异类的宇宙作品

窝们，是否把夕人，看成彼岸世界的人，或神？
应该是他们都是和我们差不多滴，人，也是被命运左右的。
百年为有之大遍菊，那就是千年呃，很可能是千年。
风水轮流转，千年河东，千年河西，千年河北，千年河南，大家都有份儿的。
命运不是窝们作为出来的，是“被”——旋转出来的。
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器材版块儿嘛，可以这样理解:
用某品牌的器材拍的片子，自然就有艺术在里面；
即使没有艺术在里面，板块也不会强制你拥有艺术，如旅游照片等。
影友购买器材首先要选品牌，这是绕不过的；
影友更多滴认为，品牌比艺术更重要，这是发自内心的，
与艺术爱好者贬低器材形成鲜明对比。
有些艺术爱好者拍的片子其实不好，但假如有艺术在里面就会高人一等；
像“只拍照不摄影”就包含了无奈的成分。
买了器材要拍片，器材版块儿可以发图展现自己，当然也就包含了批评成分。
展示器材也符合厂商利益，扩大品牌影响力。
摄影批评版块，作为超脱器材党的高级版块，
可以成为器材党提升或升级的版块，
也可以作为贬低器材党的艺术优越论的版块，
当然也可以成为器材党贬低艺术优越论的，板块。
夕降东升 编辑于 2024-07-05 17:35

※※※的这个讲话很重要的一个背景就是针对知识分子、尤其是文人的弱点。
延安三大正风运动，两大是针对知识分子的，即整顿学风、整顿文风，中间是整顿党风。
窝果文人的弱点就是【我以为】华丽辞藻、空洞无物，重视读书、轻视实践，媚大媚洋、鄙视群众。
私以为，这对今天的这里尤其具有重大的，开导意义。
文艺座谈会上的讲话就是针对这样的一只知识分子队伍，想要改造成全新的为人民服务的队伍。
讲话后来发展成二为方针，但※※※在建国后也提出了百花齐放百家争鸣的方针。
主席之后又经历了改革开放，
注重文艺百花园土壤和空气的培育，迎来了创作高潮；
莫言作为低学历的作家获得诺贝尔奖，意义重大。
二为，有自上而下的指导意义；双百，有土壤培育清新空气的意义。
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我们这个论坛，把他比喻成抗战时的延安根据地，把论坛的受众比喻成工农兵及其干部，那么引用※※※在《在延安文艺座谈会上的讲话》：

        既然文艺工作的对象是工农兵及其干部，就发生一个了解他们熟悉他们的问题。而为要了解他们，熟悉他们，为要在党政机关，在农村，在工厂，在※※军新四军里面，了解各种人，熟悉各种人，了解各种事情，熟悉各种事情，就需要做很多的工作。我们的文艺工作者需要做自己的文艺工作，但是这个了解人熟悉人的工作却是第一位的工作。我们的文艺工作者对于这些，以前是一种什么情形呢？我说以前是不熟，不懂，英雄无用武之地。什么是不熟？人不熟。文艺工作者同自己的描写对象和作品接受者不熟，或者简直生疏得很。我们的文艺工作者不熟悉工人，不熟悉农民，不熟悉士兵，也不熟悉他们的干部。什么是不懂？语言不懂，就是说，对于人民群众的丰富的生动的语言，缺乏充分的知识。许多文艺工作者由于自己脱离群众、生活空虚，当然也就不熟悉人民的语言，因此他们的作品不但显得语言无味，而且里面常常夹着一些生造出来的和人民的语言相对立的不三不四的词句。
   
        为什么器材论坛那么热闹，在那里摄影小白器材党甚至厂商都能做到互相了解，沟通无阻，目标趋于一致，人气就高
        这个论坛，有时会贴一些业余的非职业摄影人的组图，效果就非常好，气氛非常热烈，值得好好总结发扬

窝果仁儿吃得惯歪果的肯德基、麦当劳，
但据我所知，很多南方人吃不惯北方菜。
有个在背景长期住院的病人，就是因为吃不惯北方菜，
要转院到上海治疗。
也许正宗的肯德基麦当劳窝果仁也吃不惯，
但窝果大厨善于改良，使洋快餐适合北方或南方人口味。
同样，南方或北方菜系到了北方或南方，
是否也要针对当地人的口味进行改良？
否则生意如何红火？
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还是那句话，要想得到窝果仁儿的尊重，
首先要把自己的话说好，把自己的话翻译好；
其次，把自己的片子拍好，把自己的片子翻印好。
哪个环节出现问题，都是对摄影大师的，诋毁【自己毁自己】。
明明不好好打扮自己，还要人家说你漂亮，不可能。

歪果的摄影艺术家怎么那么多，赶脚比窝果多多了。
说出的话如歪星语，天书啊，不懂，可以催眠。