为了增加可看性，仅配几张图，以文字为主。文字少了，说不明白，多了，又显啰嗦，没办法，有些话题，三言两语说“透”不容易，有些又老生常谈，耐心看吧，“杂议”能引起思考和共鸣就不白写。
《相机与摄影观杂议》       就2D视觉艺术而言，不会有哪个门类能象摄影那样，主客观上，过于依赖创作用工具。这种“依赖”不仅仅是简单的借助，而是达到一种“跪拜”的地步。似乎离了心目中的好相机，创作就要“受阻”，对相机的更迭和关注度超过以往。相机的更迭并未对摄影艺术性有何影响，而是对那些对“自动化”和“高能性”追逐者产生影响。       画家和书家很少谈或根本不谈他们的笔和纸如何高级，如何最新，而谈的最多的是技法和作品怎样，摄影却往往大谈、特谈手中的器材如何最新、最好，极为讲究，甚至苛求，很少考虑相机与作品的关系，这令我大为不解。      书法很早就有“好书不择笔”说法，意思是说，能写一手好字的，对书写工具是不会过分挑剔的。书画家是不会为购置绘画工具而左右烦恼的，摄影爱好者却总为买心议相机而费尽心机。这里到底有多少人是因喜欢相机而走上摄影之路的，不得而知，估计应不在少数。我是因为看了一次风光摄影展后，才对摄影产生兴趣的，后来也喜欢上相机了。如果有人因喜欢书画用工具而走书画道路，总是觉得有些奇怪。       摄影与书画的工具有很大不同，前者科技含量大大高于后者，人类常常有崇拜技术的习性，这正是其魅力所在。相机和镜头间，对于创作来说，魅力最大并不是机身，而是镜头。一种焦距代表着一种视窗，能产生一种创作感受和冲动。如果只是固定焦距，其拍摄视野将严重受限，体验会大打折扣。严谨讲，靠挪动脚步是替代不了不同焦距镜头特性的。使用50mm焦距，能否通过挪动脚步，拍出16mm效果吗？或是200mm的效果？当然都不能。摄影中，了解不同焦距镜头特点，如何在创作中应用，自然是摄影人一件重要和乐道的事了。       摄影爱好可以只准备一台机身，但不能只有一支镜头，“一焦走天下”无异于给自己套上“枷锁”，限制创作想象和视域，对于创作者来说，在受限条件下“走天下”，是多么“痛苦万分”。大变焦比（4倍以上）镜头科技的发展，使“一镜走天下”成为可能，如果操作上严谨些，也能部分满足高清晰画面的要求，唯一弱点是光圈过小，部分情景创作受阻。除非不得已，资深者是不会带它“走天下”的，因为他们太看重难得一遇的光影机会了，如果恰巧赶上难得一遇的好光影，而手中却没有画质过硬的镜头，那将遗憾终生。       普遍以为，风光摄影是一味地缩小光圈来解决清晰度的问题是一种错误认识，无论光圈大小，关键还是焦点的选择、焦实和景深选择问题，创作上，使用多大光圈是依创作效果需要而进行的选择，并非都是极小光圈（高于f8)。       早在1993年，我首次购买了自己喜欢的相机，兴奋许久，下班后都要认真把看一凡。时光荏苒，买相机所带来的兴奋感越来越少了，并非不喜欢相机，也许是年龄大了，对物质看得很淡，更乐于追求精神层面的。过程的美好体验和获得好作品的兴奋是持久的，后劲要远高于把玩相机所带来的乐趣。       现在，虽不常把玩手中相机，不是不喜欢它们，而是无比信任它们，拍不好从不归咎于相机，而是从自我找原因，并非盲目相信。每间隔一定时期就对它们进行“检测”，主要是调焦和焦点精度的验证。了解它们的可靠性、耐用性和焦点确认的精度是创作的保障。使用时间一长，对它们也都有了“感情"，并给它们起了名字：D4（忍者）、D3s（骑士）、D3x（高士）、D800E（小偷），目前，“小偷”已寿终正寝，它曾为我立下“汗马之功”。

       经常创作的摄影爱好者，在获得了一定数量的、自己满意的作品之后，就会越发相信自己的摄影能力，也越发对手中相机性能加以肯定。       摄影人也可以做到“佳作不择机”，然而，任何人都要对器材做出自己的选择和更换呢？同样，既然任何服装都能遮体，为何人们还要对服装进行选择。道理相仿，选择适合自己的，且性价比适当的商品才是最好的。对摄影来说，一般都是从“应用方向”和“性价比”两个方向考虑的。抛开两个任何一个，要么浪费，要么不能满足使用需求。       相机发展到今天，无论怎样，即便加入Ai，也脱离不了工具的属性。既然是工具，它就应完全听命于它的主人，而不是反过来，让人成为相机的奴隶。      艺术作品是人类通过思维活动，借助工具完成的个性“产品”，不具有重复性，也不可能全由自动化或Ai来完成。相机无论发展怎样，有一点可以确定，就是必须严格遵照人的指令工作，所以相机或镜头决不可能缺失“手动”，为什么？唯有“手动”才是100%严格遵从摄影人的意图。有一位风光摄影家说，大画幅机虽然操作上有些延迟，但能给人以思考，而自动化程度高的相机却不加思索，AF+连续快速过片，几乎无延迟的拍摄，往往容不得思考，过早关闭了创作思考的大门，拍照犹如快餐。所以，高度自动化相机并不是摄影艺术相机的最佳器材，其实“手动”的意义远不止于此。       总之，真正的摄影艺术专用相机就如同摄影构图一样，简约和可靠。今天相机集计算机、自动化、AFAi、静/动一体的复杂工业品，那不是摄影相机的初衷，也不是摄影人想要的，而是商业逐利和竞争的结果。

       2000年以前，有一个摄影伙伴，每隔上一段时间，我们就约好外出拍摄（那时都这么说，实为创作初期），即便来到同一拍摄地，也是各拍各的，不过，当看到对方的片子后，发现我们之间有个别片子形式上的雷同，表明在一起创作还是相互影响的，再后来，那位伙伴没了稳定的工作，就很少外拍了，后来他从事婚礼纪实摄影，开始真正拍摄谋生了。       摄影爱好者中多数不自信，明明自己的片子具有一定的艺术观赏性，偏偏不敢说是“作品”，明明是在那“创作”，却只敢说在拍片或拍照，是低调吗？当然不是，说到底，就是对自己的摄影行为没有底气，更没有信心，自称“创作"都不好意思，所以，很多人也就只有“片子”，没有“作品”了。       绘画和书法圈中，从就没有这种“不好意思”，自己画的，自己写的，那就是“作品”，起码也叫“习作”。       摄影爱好者的进步，绝不是靠更新器材来解决，而是由不断地进行创作来解决，创作可以锻炼对光的属性和影调细微变化的观察，尤其是魅力影调的感知及捕获能力，慢慢的，会不自觉的寻找自己的风景，如何构图才能生动，如何把握后期处理才能提升感染力，等等的能力都可以在创作中摸索出来，进而慢慢走向成熟。

       在风光摄影创作中，长期坚守“同一地点”和频繁更换“不同地点”的创作行为对作品本身的影响有什么不同？亚当斯能长达七十年坚守在约塞米蒂从事风光摄影创作行为至少给出三点启示：一是对同一地方“描写”是否“生动”和“深刻”需要一定时间了解，了解当地的气候、地形地貌、山、水势，最忌那种唯惊艳、惊奇至上，杜绝和避开明信片式的旅游照。二是长期到同一地区创作，必然会慢慢了解四季光影的特点和同一场景不同光线下的不同，更重要的，什么时候，站在哪儿才能“出片”，才有机会拍到预想的景色，避免盲目待光。三是反复到同一地点拍摄，拍到内涵深刻作品的几率会升高。这里并不反对更换创作拍摄地，已经“拍烂”地方，可以更换新的拍摄地（过几年再重游旧地，也许会产生新的认识），但频繁式的更换，一天一地，走马观花式的拍摄，如同旅行一般，与其说是“创作”，不如说是“到此一拍”。每到一地，不如安心扎下来，好好盘算一个可行的拍摄计划。专注同一题材的创作，出佳作、出精品的可能性很大，是一个摄影爱好者应有的执著。

       创作几十年后，就会真正明白一个问题的重要性，就是“什么样的作品才是好作品？”该问题要比相机和技术更加重要，也更难理解，没有经过长期的创作磨合，根本不可能理解，哪些作品好，哪些作品很一般。“好作品”的认识是对自己未来摄影发展具有良好的指导意义，仅凭三言两语，难以阐明，还是待以后再聊吧。

“摄影”与“拍照”的确不同，字面上就有区别。这个有点语文是体育老师教的意味。拍照是个动词，“摄影”就程可以叫“拍照”，“照相”过程也确以叫拍照。所以，这里应当讨论的是“摄影”与“照相”有什么不同。其实，摄影是一种泊来品，英文叫photography，“摄影”与“照相”的区别，就像番茄和西红柿的区别，土豆与马铃薯的区别。。。。。。

讲回现实的吧。确实有不少人在叙述习惯上认为”摄影”与“照相”不同，”摄影”是艺术创作，“照相”是拍一张应用类的相片而已，例如证件照，所以，潜意识里便把”摄影”与“照相”区分了，事实上，这种分别用两个相同意义的名词来区分是不严谨，口头上无所谓，但将其作为定义就大错特错了。

我们不从理论上摄影史上前生今世上讲这个问题了，讲点现实的。下面这张图片是唐明人士老师的作品：我问几个问题：1、这是一张“摄影”作品，还是一张“照相”作品？2、如果是“摄影”作品，请解释为什么能是“摄影”作品？3、如果是“照相”作品，请解释为什么不能是“摄影”作品？

我无意冒犯唐明人士老师，提这个问题，是想让大家思考一个问题：如果要把photography分为“摄影”与“照相”，那么，“摄影”与“照相”的界线在哪里？划分标准是什么？

再拿无忌上一张作品，就借用这几天老发图请求指点的缺个模特老师的作品：这一幅算是“摄影”作品，还是“照相”作品？为什么？如果这一幅水平不如上面那幅，只能算照相，而上面那幅水平高，可以算摄影，那么，上面那幅与水平更高的比，那也只能算是照相了，那么，上面那幅到底是“摄影”还是“照相”，怎么一会是“摄影”，一会又变成“照相”了？这不成了悖论么！

我们再来讲个概念，如果照相馆的片子，就算是“照相”作品，我告诉大家一个事，全国第二届人像摄影展，获得一等奖的作品，是来自一个叫春熙照相馆的作品《春风》。一个照相馆的作品，上了全国大展，还拿一等奖，按照高水平叫摄影低水平叫照相的观点，春熙照相馆是不是应当改名为“春熙摄影馆”了？

美国有个专门拍证件照的照相馆，名字忘了，很多明星、政要都慕名前去拍照，有的专门坐飞机过去，就为了拍一张护照片子，为什么会这样？难道这家用的是宇宙最顶级相机？还是拍的比任何照相馆都清晰？当然不是，因为这家拍的证件照并非是人物呆呆的标准照，而是既符合证件照标准，又能把人物神采拍出来，这种拍证件照的水平，比我们无忌上众多拍人像摄影的老师水平怎样呢？应当分为“摄影”还是“照相”呢？

叫“摄影”也好，叫“照相”也好，都是按快门，英文都叫photography。快门按下，出品高高低低，而要划出界线给予贴“摄影”还是“照相”标签，那么，每一张相片两样都能贴，只是在不同对比下贴不同标签，那“摄影”与“照相”标签成悖论了，还分得了么？

“摄影”与“拍照”的确不同，字面上就有区别，前者是个一系列系统“工程”，而后者不过是的一“行为”，人人可做，甚至连小孩都可以，但“摄影”可不是人人都可的事。这是一个态度问题，摄影需要严谨，而不是嬉戏，玩耍。
“爱好”也好，“玩耍”也罢，都是“消磨”时光，何不认认真真，做出一些成绩来，这也反映出了人生执著于某一事的态度。
唐明人士 编辑于 2024-10-25 11:24

手机拍照缺乏摄影的仪式感

无论用手机拍也罢，用大画幅胶片拍也罢，D1X拍的也罢

对于普通摄影人，只要能够达到自己的目的，符合自己的初衷，愉悦自己的身心，那就是成功了，

然而，商家一方面拿着专业摄影师的成果“降维”打击小白，一方面又“教唆”小白跨界去跟专业摄影师比器材，似乎器材好了创意也就有了

我是挺欣赏绘画书法领域的，虽然器材（笔墨纸砚、印泥）也有好坏，但是这跟作品是完全分开的，不像摄影领域，商家处于商业目的，把影响像质的器材好坏跟艺术性去挂钩

所以，我向来主张对于普通摄影人贴上来的照片，要多多地正面肯定，同时指出不足，手机拍的也一视同仁

但对于职业摄影人，那要求必须要高，特别是像质和后期，暗部层次出不来的，糖水片都拍不好的，就是要回炉了

我随手发个手机片子只是随便举个例子而已，没别的意思
既然讲到了，有两个概念也跟着澄清一下。

1、“摄影”与“拍照”（照相）是完全相同的概念，没有区别。照相的英文为：photography，是希腊语光线与绘画词根的结合，本意为用光线绘画。摄影术引进中国时被为照相，工坊称为照相馆（这个名称被延用至今），后来逐渐被改称为摄（音：聂）影，现在基本上称为摄（音：设）影。但在欧美则没有分别。目前在不少人观念中之所以有“摄影”与“拍照”作区别，是因为把“摄影艺术”口语化为摄影，而认为照相馆的相片缺乏艺术性，所以，把“摄影”与“拍照”区分开来，但用来论述概念的话就缺乏严谨性了。
对于这个问题，留洋的背心版主断断续续有过论述，可以找来参考一下，我找到一点片断截图上来。

2、现在手机拍摄，主流产品多数有手动控制，即所谓的“专业”功能，快门、光圈、焦距、焦点、ISO都可以手动调节，做得最极致的是索尼的Xperia Pro-I，直接把a7无反相机的功能移上手机，连追焦和人眼对焦都有，并有独立快门按键方便拍摄，只是光圈的调节范围窄一些。当然，手机的功能远远不能跟相机相比，鸡眼大的镜头分辨率和畸变都是有限的，靠的是强大的计算能力进行修正。我上贴举例只是想说明摄影技术的发展在不断拓展摄影领域的边界，现在有不少观念类的专业摄影师就采用了手机创作，前不久看过一篇美国一位当代纪实女摄影师的专访，她在纽约街头拍照，就完全放弃了相机，她说手机的便利性和隐蔽性、不侵犯感是相机所没有的，给她带来了更多的创作机会。

我上贴拍的片子，是晚上回家路上拍的，如果没有目前日新月异的手机拍照技术，就不会拍这张片子，因为手头没有相机。当时为了矫正透视，我把手机用双手握着举上头顶，踮起脚尖，尽量高举手机，得益于手机轻便、没有机震，没上架的情况下片子没有拍糊，降噪※※晰度仍然可以接受。当然，有相机和移轴镜头在手就不用这么辛苦了。
我用手机拍最经常的失误，是到了照度高的地方，没有及时调高快门，由于手机光圈较大且可调范围窄，尽管原生ISO才50，但还是会过曝。总之，对于手机拍照，要一分为二，某些领域可能可以充当主力了，但多数领域还必须是相机，只能做为补充，这方面在没有相机在手时很突显。

我的观点是一直主张将“摄影”与“拍照”（照相）区分开来，二者“行为”的目的不同。
手机的发展还是以“拍照”（记录）为主，为了适合于"大众“，手机应用于摄影创作还是差些意思，摄影师绝不能因“器材”性能所限而受束缚。手机存在许多不能“手动”，这在“杂议”中阐明过，离了”手动“摄影师是不会选择的。
新闻、纪实（街拍属于纪实）等拍摄，是以真实、记录性为主的行为，照片艺术性不是没有，但那不是主要的，手机相对很适合。

19世纪30年代发明达盖尔银版摄影术和卡罗法（底片）摄影术以后，人类开始了影像时代。

摄影是一种建立在物质与工业技术之上的艺术，因此，先天性注定了物质和技术的改变将影响摄影艺术的表现形式。而技术的持续发展，也在不断的拓展摄影领域边界和改变呈现方式。

感光材料的进步，大大缩小了曝光时间，以及相机的商品化，从而得让人们得以走出户外和远足拍摄，画意摄影中期的“自然主义”的产生，以此不无关系。而卡罗法摄影术的的发明，因其物质性及柔和光影，看上去有“画意”的感觉，所以，也催生了画意摄影，从而为摄影成为艺术奠定了基础。

而光学镜头的发展，使高分辨率和近拍的实现，才有了以卡尔-布罗期菲尔德和阿尔伯特-伦格尔-帕奇为代表人物的“新客观主义”。伦格尔-帕奇认为“摄影自有摄影的特性”，摄影的价值就存在于其复制现实的神韵、展现事物本质的能力之中，。。。好照片之所以长存，就因为他们具有摄影的特质。

1924年巴纳克公司生产了一种小型相机，快门速度达到1/500s，经改良后命名为“徕卡-I型”。布列松开始使用的是柯达“布朗尼”箱式相机，用来拍家庭相册、街景、橱窗等。后来他买了一部徕卡-I型，从此隐身街头拍照，1943年他从德国战俘营成功逃回法国继续从事摄影，1952年布列松出版了个人摄影集《决定性瞬间》，其决定性瞬间理论成为一场影像革命，并影响至今。在这场影像革命中，徕卡相机功不可没，其自身成为抓拍美学的标准装备和文化符号。

小型相机的发明实际上催生了新闻摄影和战地摄影。

1935年柯达公司发明了彩色胶片“柯达克罗姆”，当时的产品ISO只有12度，所以限制了一些摄影领域。摄影史上第一个使用彩色胶片进行严肃摄影创作的是厄恩斯特-哈斯，哈斯使用ISO12的柯达克罗姆拍摄斗牛时，为了拍清楚，让照机在曝光时跟着牛一起走，产生了具有动感效果的运动题材相片，这应当是史上第一张“跟随曝光”技法作品，现在上万的ISO已经可以让摄影者拍任何题材。

在摄影术发明之初，相片被认为是由机械产生的产物，机械不能产生艺术，只有人手的创造才能触及灵魂，所以摄影不被认为是艺术。20世纪初由于相机、镜头、感光材料的突飞猛长，摄影领域得到很大的拓展，也引发了对摄影“本体”的探讨，对摄影艺术化的推动，是摄影本体审美体系的形成。20世纪50年代完成了摄影本体的探索，使摄影得以区别于绘画成为一门独立的艺术，从而迎来了摄影创作的新时代。

在此之前，大多数摄影师刻意选择宁静的风景、安详的人体、肖像和静物，以及充满田园风光和个人生活，利用这些传统绘画喜好的主题来接近艺术。画意摄影中期的“自然主义”，后期的分离派和F64小组则拓展了题材，利如亚塞尔亚当斯的自然风光摄影，但这些都没有离开绘画的影响，在理论界并不认为是真正的“摄影的艺术”。

20世纪50年代，摄影最终结束了本体的基础性探究，完成了对自身的“原真的拷贝（记录性）”和”时间的切割（时间性）“两大特性的认知，出现F64小组的精致美学和决定性瞬间美学的审美体系。

20世纪中期，罗伯特-弗朗克出版《美国人》、威廉-克莱因出版《纽约》，这两本画册成为摄影两个时代的分水岭，后来被称为“非决定性瞬间”流派。他们对什么是好照片、对决定性瞬间、对被摄者-照相机-摄影师三者关系进行了再思考。他们用个人化的体验、日常化题材、多义性的影像开始了一场影像革命，一举改变了此后摄影的走向，拉开了20世纪六七十年代摄影“新时代”大幕。

尔后出现了“新风景”、“新纪实”、“新色彩”、“新地形学”、“私摄影”等各种新思想和新实践。而大画幅相机因其拍摄的特别视野、取景时更为细致的观看，又重新被摄影师使用。

纵观摄影史，摄影艺术与流派的形成，都与摄影器材的进步有关，这是由摄影是建立在物质与技术之上的特性所决定的，也与其记录性和时间性两个特性有关，未来器材技术的发展，将拓展出更为开阔的边界。

现在，手机在手，随时随地便可拍摄