Greenfield-Sanders曾被同从Nadar和Julia Margaret Cameron到Andy Warhol的几乎所有人进行过比较，但他的作品的那种精致、完美的风格（总会让人联想起古典主义的绘画风格），以及他在心理上与拍摄对象互动的能力，都使他的作品成为独一无二的艺术。

Sanders从不依赖于科技以得到外表浮华的平庸照片；他从不打算利用最新科技之所能来迷惑我们。大约在1975年左右，当他还是位于洛杉矶的美国电影学院的一名学生时，他使用Super－8胶片拍摄他的电影短片，同时使用Nikormat 35mm胶片拍照。在1977年他添置了一台Nikon F2同时也开始使用哈苏。1977年末，他无意间在一个朋友家的书房内发现了一台1905年产的Fulmer & Schwing 11＊14英寸机背取景相机。他花了几美元买下了这台相机。买下它首先还是因为单纯的喜欢这台相机，另外他也开始试图打算拍一些大画幅的照片。

在找到Fulmer & Schwing 11＊14之前，他经常会拍很多小画幅的照片，但自从有了它之后，他开始每次只拍两到三张照片。这不只是因为相机技术上的限制，而是这种画幅的底片相当难找而且贵的惊人。“当我在80年拍Cindy Sherman的时候”他回忆说，“我只对一张底片进行了曝光！”这种拍摄方式，反过来也迫使他反复考虑他拍摄方法的基础：摄影师必须切实了解自己要从所拍摄的肖像中获得什么，比以往要更加专注，是每张底片都能够物尽其用。Peter Halley对这一切的描述可算最简洁扼要：“Greenfield-Sanders的灯光十分简单，在摄影室内和几乎总是从右上方照亮他的拍摄对象，但抛开这种照明方式在技术上的可重复性，他还能够获得如雕塑般的细微差别。在他的三维空间中，仅仅很狭窄的一层二维平面处于焦点上。通常模特的眼睛处于焦点上，而手、衣服甚至面部的其它部分都或多或少处于失焦的模糊状态。在形式上，Greenfield-Sanders基本属于一个极简主义者。就像任何其它成功的极简艺术一样，每一个看似简单的元素都必需带有多个层面的意义。这样，焦点之外的影像将我们的注意力吸引到模特的双眼；同时它还提醒我们这种影像从三维立体空间到二维平面所发生的变换。”

Doug Starn: 你是什么时候开始发现自己是一个天才的？
Timothy Greenfield-Sanders：在我5岁的时候，下一个问题。（大笑）
D.S.：你给很多不同类型的人都拍过照，艺术家，演员，设计师，音乐人，导演……有名的和无名的人。你是怎么选择拍摄对象的？
T.G.-S.：我从70年代末开始为一些艺术家拍摄肖像，因为他们都是一些我认识的人。在这之前，在70年代中期我在洛杉矶的时候，那时我在美国电影学院念书，我拍摄了很多电影导演和演员的肖像，不过那些只能算“试验肖像”。我那时还在寻找自己的以及自己的风格。事实上，是Hitchcock教会我使用灯光的技巧，是Bette Davis告诉我千万不要从下面拍摄肖像。那时我很年轻，他们对我非常有耐性。
Mike Starn：你正是学习过摄影吗？
T.G.-S.：没有，我在AFI学过摄像照明，但是我从来没有修过摄影课程。我希望我学过，那样会使我变得更出色。
M.S.：在那段时间发生过什么有趣的事情吗？
T.G.-S.：拍摄Orson Welles的时候我25岁，那时我非常紧张，他是我的偶像。我准备了一张沙发椅，好让他和John Huston坐在一起，所有的灯光都是事先准备好的，但当Welles走进来的时候，我才发现他体型相当巨大，他看了一眼沙发椅说：“绝对不可能，如果我坐下去，我肯定再也站不起来了。”我非常紧张，不过我处理的很好。不管怎样，我找来了一张新椅子，然后得到了我最棒的一张肖像。我从此学到了绝对不要在拍摄对象面前表现出自己的紧张。他们其实也很紧张，所以肯定不愿再从摄影师的身上再体会一次。
M.S.：你第一次真正意义上的个展是在什么时候？
T.G.-S.：从用35mm和6*6这类小画幅转向用大画幅——11*14机背取景相机拍摄肖像对我来说是一次影响深远的巨大转变。我慢了下来，一次只拍很少的照片。我开始更加专注于我的工作。在1981年我的首次个展是关于活跃在50年代纽约艺术家的肖像，这个系列由40幅采用11英寸*14英寸大画幅相机拍摄的抽象表现主义艺术家的肖像组成，包括deKooning，Krasner，Motherwell，Frankernthaler，和Rauschernberg等人。
M.S.：是哪家画廊承办的这次展览？
T.G.-S.：Marcuse Pfeifer
D.S．：噢，是吗，我以前也给Marcuse Pfeifer寄过去了一些照片，可是被拒绝了。
T.G.-S.：好吧，很明显，她的品味有好有坏（笑）
D.S.：你是什么时候开始拍摄除了艺术家以外的其他人的？
T.G.-S.：在80年代初期，当我因我拍的艺术家肖像而小有名气的时候，我开始慢慢扩大了自己的活动范围。最终，在1986年Comme des Garcons的设计师川久保玲找我给任何我想拍摄的艺术家拍照，并让这些艺术家都穿上她设计的衣服。我为川久保玲的这个拍摄项目工作了2年，其间拍摄了从deKooning到Schnabel到Halley，再到你们两个双胞胎兄弟……等35位艺术家。还记得那些照片吗？最后，当我与John Malkovich成为朋友之后，我改变了那次拍摄项目的方向。John热爱服装，而我说服他为Comme des Garcons摆出各种造型。这个举动先于由时装品牌Gap发起的以名人作为代言人的营销运动，更是在时装设计师开始挑选名人作模特之前。
D.S.：那么我们可以把时尚界迷恋与邀请名人作模特的现状归咎于你吗？
T.G.-S.：绝对是这怎样的。
……
M.S.：给一位已经非常出名或已经被拍过很多次的人拍照是怎么样？你是怎么从中获得不同的东西的？
T.G.-S.：这个并不容易。名人或经常拍照的人知道自己什么角度最好看。没有摄影师愿意拍摄一张别的摄影师已经拍过的照片。我会试着让我的拍摄对象放松，我不会拍很多张照片，因为很少人能够忍受太长的拍摄过程。对我来说拍的多只能说明你对想要从拍摄对象身上获取什么并不明确。当我开始进行一次拍摄时，我一定是已经知道自己从中想要的是什么了。
D.S.：这真是相当神奇，对我们两兄弟来说，你已经拍过我们多次了，你是怎么仅仅在为数不多的几次曝光中得到这些完美的照片的呢？
T.G.-S.：运气。（笑）
D.S.：很多人都会用大画幅相机，但你确能将其使用的如此天衣无缝。你的照片毫不生硬，你对人真是有一套。
T.G.-S.：比起摄影师，其实我更像一名心理医生。
D.S.：你的方法是什么呢，Greenfield-Sanders医生？在肖像摄影方面你是怎么走的更远？你是如何超然于基础肖像技术之上的呢？
T.G.-S.：首先我让拍摄对象完全采用自己的方式。从心理上来说，这是最好的方法。然后当我让他们感到放松时，我就能得到我所想要的了。记住，当你用大画幅相机拍照时，你不会拍摄很多张照片。整个拍摄过程是由很多细节组成的。人们在拍照前总是会有一些焦虑的情绪，你必须得到他们的信任。这非常重要，剩下的只是第二天性。
M.S.：你所拍摄所有照片都比他们本人在现实中迷人、漂亮，我对此很感兴趣。
T.G.-S.：是的，我所拍过的大多数人都很丑，我能使他们比真正的自己漂亮的多。开个玩笑。我喜欢将任务浪漫化。我使用的是带柔焦的老镜头，我的灯光也非常柔和。即使用那台拥有现代镜头的20英寸*24英寸彩色宝丽来相机时，我所采用的照明方法仍然可以使拍摄对象尽量显得好看。
M.S.：这倒是真的，Chuck Close的20英寸*24英寸宝丽来照片就显得非常现实和不讨好。他使用和你用同样的相机和镜头。
T.G.-S.：我的照明方式和Chuck非常不同，他是希望将被摄者的每一个毛孔都展现出来，而我不是。
D.S.：最近我们在关注Nadar的作品，我们发觉了一些你们两作品之间的联系。Nadar的作品是一个时代的肖像，你的也是吗？
T.G.-S.：我希望是。当然，我的“艺术家肖像”专辑总有一天会成为那个时代的伟大肖像。我们会在下半个世纪得到肯定的答案。现在就有很多，抽象表现主义艺术家，艺术评论家系列，东部艺术家系列，Comme des Garcons系列，成百的对立艺术家，建筑设计师，诗人还有设计师。都是些重要人物的肖像。另外对于名人肖像和时尚肖像，虽然来来往往，但总有些人会成为我们时代的代表。
D.S.：我想你所拍摄的那些艺术世界之外的人物确实是可以代表我们的时代和文化的。他们影响着这个世界……正如Nadar的肖像所为。
T.G.-S.：好吧，如果你坚持的话。
……
D.S.：我们会互相拍照，但是我们已经很少拍肖像了。
T.G.-S.：但是当你们拍肖像的时候，你们都会怎么做呢？
M.S.：我们和你相反，我们不懂怎么与人建立良好的沟通，我们总是忙于灯光照明，却忽略了被拍的人。我想我们还是去拍天上的星星或是青蛙臭虫的什么比较合适。

——淘宝光源摄影书店

不要否定别人，做成不同的才是真的

学习了。

老提到Nadar...
T.G.-S的肖像根本没法和Nadar相提并论。

norman

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