这是近期在网页上发过的一些照片，选了一些。
请荒石兄及各位朋友批评指正！祝大家好！

《雨》

《不知名小小花儿》

《荷》

《花蕊》（微距）

《荷》

[黄芪 编辑于 2008-07-28 21:14]

《莲蓬》

《荷》

《陶罐》（静物）

《晨光》

《睡莲》（花卉ps）

《晚景》（人物抓拍）

《合欢》

《夕阳》（静物）

《云南香格里拉的风光》（用小DC拍摄）

荒石兄：
好久未见，你好！请代我向阿西、咚咚锵、......等等泾阳老朋友们问好！
发几张图片以表示对老朋友们的怀念并就教于大家！

《云南牦牛坪的风光》

太平镇首届杏花摄影节影赛获奖名单
一等奖
武瑞军<杏园家常话>
二等奖
赵延安<春色无限>
苏战峰<摄入镜头都是爱>
三等奖
孟毕峰<夕阳无限好>
彭继明，《点进希望》
李仪伦〈点春〉
张永伦〈枣园春天〉
增儒〈兴游泸沽湖〉
王庆军〈杏花园里爷与孙〉

警示

背着生活

现代城市

山中寻梦

穷则思变

听戏

留念

家长里短

原像度——图片摄影作品制作时的原像变化程度  
来源： 作者： 宋岗 发布时间：2008-02-28  




　　图片摄影作品分为纪录摄影作品、艺术摄影作品和商业摄影作品。不同图片摄影作品的类型，其成品制作时的原像度等级限制是不同的。

　　图片摄影作品的原像度，指图片摄影作品成品画面的影像与照相机拍摄时原始画面的影像的相吻合的程度。这种程度分为Ａ、Ｂ、Ｃ、Ｄ、Ｅ五个等级。具体分析如下：
　　Ａ级原像度
　　Ａ级原像度也称绝对原像度，其成品画面的影像与原始画面的影像具有绝对的一致性。
　　在作品放大、制作过程中，Ａ级原像度的限制为：色阶、亮度/ 对比度、色彩饱和度、色彩平衡等方面的调节幅度均在20% 以内，可去色或进行适当的裁切，但不得以非四方形裁切，不得进行画面符号的挖补、移位、增减等，不得添加滤镜、蒙板等，不对人物脸上的痣点、皱纹等进行修补。
　　Ｂ级原像度
　　Ｂ级原像度也称基本原像度，其成品画面的影像与原始画面的影像具有基本的一致性。
　　在制作过程中，Ｂ级原像度的可变限制为：色阶、亮度/ 对比度、色彩饱和度、色彩平衡等方面的调节幅度均在30%以内，可以进行横或竖的裁切，一般不进行非四方形裁切，可 进行色彩强调或减弱，彩色变黑白等处理，但不得进行画面中显著符号的挖补、移位、增减等，不得添加、任何修饰滤镜、蒙板等，对画面中不显著且不重要的点、线可以进行修补润
色。
　　Ｃ级原像度
　　Ｃ级原像度也称相对原像度，其成品画面的影像与原始画面的影像具有相对的一致性。
　　在制作过程中，Ｃ级原像度的可变限制为：色阶、亮度/ 对比度、色彩饱和度、色彩平衡等方面的调节幅度不受限制，可以将普通影调照片变成剪影，可以进行局部影调（或局部色彩效果）的调节，可以进行去色、加色、强调色等处理，可以进行任意裁切，但不得进行画面中显著符号的挖补、移位、增减等，不得添加任何修饰滤镜、蒙板等，对画面中不理想的点、线可以进行修补。
　　Ｄ级原像度
　　Ｄ级原像度也称可变原像度，其成品画面的影像与原始画面的影像具有一定的可变性。
　　在制作过程中，Ｄ级原像度的可变限制为：色阶、亮度/ 对比度、色彩饱和度、色彩平衡等方面的调节幅度不受限制，可以进行任意裁切，可以进行任意色彩处理，可以对陪体符号进行挖补、移位，但不得对主体符号做较大改变，可以添加滤镜、朦板等，可以进行反相处理。
　　Ｅ级原像度
　　Ｅ级原像度也称多变原像度，其成品画面的影像与原始画面的影像之间变化可能面目全非。在制作过程中，Ｅ级原像度基本上没有限制。当然，任何一幅图片摄影作品不可逾越的限制是：主体符号必须是作者自己拍摄的影像。否则就不叫原创摄影作品了。

　　对于图片摄影作品的子概念而言，不同类型作品原像度的限制等级是不同的，具体如下：

　　纪录摄影作品分为新闻摄影作品和史料摄影作品。为了确保真实性，新闻摄影作品PS或暗房制作的原像度限为Ａ或Ｂ级。

　　由于史料摄影作品的价值取向在于逼真记录典型事物方面，因此，史料摄影作品的原像度限制等级应超过新闻摄影作品，为Ａ级。

　　按照表现风格的不同，艺术摄影作品可以分为现实主义艺术摄影作品、浪漫主义艺术摄影作品、现代主义艺术摄影作品和后现代艺术摄影作品。

　　由于现实主义艺术摄影作品追求艺术的真实性，其原像度限制等级一般为Ａ或Ｂ级。

　　由于浪漫主义强调表现的主观色彩，追求夸张的造型效果，因此，浪漫主义艺术摄影作品的原像度限制等级一般为Ａ、Ｂ或Ｃ级。

　　由于现代主义注重内心活动、直觉与潜意识、梦境或神秘瞬间感觉的表现，而后现代注重解构现实，将空间与时间进行混同、变化，将想象内容与现实情况进行画面并存的表现， 因此，现代主义和后现代艺术摄影作品在放大、制作过程中没有原像度等级方面的限制，可以是Ａ、Ｂ、Ｃ、Ｄ、Ｅ任意等级。
　　商业摄影作品分为商业人像作品、广告摄影作品和工艺摄影作品三大类。
　　商业人像作品原像度等级一般为Ａ、Ｂ或Ｃ级；广告摄影作品又可分为产品摄影作品和推广形象摄影作品。产品摄影作品的原像度限制等级一般为Ａ或Ｂ级。推广形象摄影作品的原像度一般不受限制。
　　在图片摄影作品越来越仰仗后期制作的今天，图片摄影作品的原像度，直接关系到作品真实性的问题。
　　并非所有图片摄影都追求同样的真实性。一直以来，人们习惯于图片摄影作品记录真实，忽略了其表现性。当理论界将图片摄影作品原像度的问题予以分级澄清，图片摄影作品因为不同原像度等级混淆在一起评价的混乱局面，就将一去不复还了。

十个摄影爱好者常犯的错误
2008-03-15 06:00   作者：Andre Gunther     网友评论 83 条   进入论坛
这是一个大多数人（包括我）在摄影过程中常犯错误的概览，这些错误往往会搞糟一个好的照片或让我们无法拍摄出好的效果。讲解如何拍照对我来说是一个巨大的跳跃，因为这比些photoshop指南更加主观。我在旅途中时常看到网站上的一些老照片，惊讶于为什么我竟然拍出这样差的照片（至少我可以有很多不咋样的例子给你展示）。要讲解如何走出误区，首先从哪些是错误的开始，来展开这一系列摄影技术教程。

1、照片太凌乱（少即是好）

在拍摄中，往往掌握一个少即是好的原则。按下快门前，先问问自己你想拍摄的镜头中第一个注意到的是什么？然后分离出你看到的，不要在镜头中包含的太多。否则，观看者会感到困惑，想知道你到底要展示什么，你费尽心机拍摄这些照片为的是什么。

比较下面费城市区的几张照片

费城市区的凌乱
这张图片的描画了城市的空间是多么压抑

费城的倒影
一幢老建筑倒映在一幢新建筑中

第二张照片包含在第一张照片里面；然而，第二张却真正说出了我想要展示的——新旧建筑的对比。大多数的“快照”包含的场景甚至比第一张照片还要多，这将更多地淡化主题。

普通人的眼睛和心智往往可以观察出三维场景的不同。实际看到的也许很不错，但机械地混合到一张平面的照片后往往正相反。

那些你当时没注意到的问题，肯定在你面对观者时会凸显出来。当然，如果你想要说明在一个大城市中空间是多么的珍贵或者建筑之间连接的如此紧密，第一张照片仍然是个不错的图片。正是这个原因。我甚至不想修正最初的照片（裁剪图片上边的空间）——它可以让人感到压抑和紧张。

即使这张公寓建筑（下图）并不是严格意义上的摄影杰作，但它却很好地展示出为什么我见到这座建筑是那么的烦躁（不断重复的窗户）

在这张图片中有太多的东西让它缺少了很多趣味

费城的公寓建筑

这就是一个很好的有太多杂乱事务的例子：

Bruhls Terrace Dresden（易北河边的一条大街，位于德累斯顿（德国Saxony邦首府）——译者注）

如果某人有雅兴看完这张图片，他一定会茫然了。一旦你看到左下角的降落伞边（你的眼睛几乎已经在画面以外了），你便会想知道那个脱离了画面人的状况，你也就离开了画面了。一张好的照片，应该吸引着观赏者投入其中而不是相反。

2、在摄影过程中不要有坏天气。

对于一个摄影爱好者来说，不会遇到坏天气真可以算是神话了。事实上，我最好的照片都是拍摄于很多人认为是坏天气的日子里。一些地方看起来正好被暴风雨来临前厚重的云层所笼罩，像这张“半穹”（half dome——位于约塞米蒂国家公园，请原谅我将它翻译成这样，其实更多的直接叫他half dome好了——译者注）的照片：

冬季暴雪中的半穹

那天，我看到很多旅行者带着失望离开了公园，但是也有很多像我一样的人撑着伞拿着相机抓拍最好的一瞬。

我时常看到注解中那些拍照人对没遇到纯净蓝天的抱怨（我称它为让人讨厌的天空），他们的照片看起来很阴暗。遇到这种天气，很多人几乎懒得拍照了，这是一个大错误！

3、没有耐心

船长岩（El Captian—美国加州Yosemete国家森林公园——译者注）的日落和暴风雨

耐心是一种美德。我就曾在约塞米蒂国家公园（美国加利福尼亚州中部——译者注）拍摄过冬景，那是我拍过的最好照片之一。冬天真的是对你耐心的最好考验，每天都笼罩在雨水和雾气之中，阴暗的天气用来摄影的话真是糟糕透了（甚至比不上那个半遮掩在云中的半穹）。然而，我始终都逗留在那里期盼一个晴朗的时刻，而它，真的出现了。我也得到穿过云层一睹船长岩的拍摄赏赐——沐浴在金色阳光下的胜景。当然，我承认，呆在那里一整天是有点极端了。下边是另一个例子：

彩虹中的韦纳尔瀑布（Vernal Falls，美国加州Yosemete国家森林公园——译者注）

我知道如果我耐心等待那里的日出日落，彩虹就一定可以出现在韦纳尔瀑布前。我为了这一刻等了90分钟（它也仅仅持续了大约一分钟而已）。当我站在寒冷的薄雾中，心里猜度着彩虹是否能够出现。很多摄影爱好者从我身边走过，不知道我在找寻什么，站了一会儿便因为无聊走了。另有两个家伙随后加入了我，陪我一起等待，最终我们获得了最美好的奖励。

4、对数码相片的态度

数码相片是摄影爱好者的一个福音，你可以不用花费一分钱便随意拍摄更多的照片，并且你可以立刻从显示屏中看到效果。但是，人们往往错误的使用预览功能。当你询问人们最喜欢数码相机什么功能的时候，十之※※会告诉你最好是数码相机可以删除他们不喜欢的任意图片！！！从什么时候开始删除照片是最好的特征了？

一张照片的品质只能在大显示器上才可以判断，除非有些照片的确很糟糕（比如，当你按下快门的时候某个人走进了你的镜头），否则你永远永远不要删除任何照片。

曝光强度只能依靠柱状图来判断（那些预览屏不一定被校准或者在阳光下看到的并不准确）。只有使用专业的参数（柱状图、曝光、光圈、ISO等等）才可以判断你照片的质量。

永远不要以预览屏上显示的效果来判断照片。你尽可以在家里删除图片（如果这会让你开心），但我一般保留所有的东西。闪存正在变得难以置信的便宜，我通常携带者一个数码伴侣（存储照片），这就可以让我不用删除任何照片而清空我的存储卡。

5、对Photoshop的态度

我最近写了一篇“请稍后PS”的日志。一个“摄影师”拍摄了一组照片，却发现没有打开闪光灯，他收起相机后淡淡的说“我一会儿PS一下”。

这种观点有很大错误（如果你想知道的更多请阅读我的其他日志），但即使他可以用Adobe Photoshop解决所有问题（他也许会让照片噪点增多），他也会花费在照片上花费很多的时间。

再用闪光灯拍摄一张也许仅仅需要几秒钟，所以如果你觉得照片拍摄的并不理想并且你也有机会，还是重新拍摄一张吧（但是不要删除先前的那张——参见第四点，一些人也许会在新照片中闭眼，或者某些其他原因先前的照片比较好）

Photoshop对摄影爱好者来说是无价的工具（我甚至自己还写一些Photoshop指南）；然而，它并不是万能药，你也不能单纯使用PS让一张坏照片成为一张好照片。

我是一个技术菜鸟（计算机方面的），我们常说：垃圾进—垃圾出（计算机用于，意为计算机再强大，也只能处理有用的信息，进去的是垃圾，出来的还是垃圾——译者注），同样的道理适用与Photoshop。

6、镜头中有不必要的景物

玻利尼西亚人的石像，后边带有一些杂乱的背景

换个角度，单独的玻利尼西亚石像

你常常感觉自己考虑的很周到了，也认为自己拍摄了一个很完美的照片，但当你在电脑上重新看这些照片时会在照片中发现竟有一根很丑的树枝、电线或者其他什么你未曾预料的东西。正如第一个错误切切实实存在一样，大脑捉弄了我们。当你按下快门前，不要着急，先从取景框中查看一下场景，用你的眼睛从左上到右下仔细审视一下，集中精力找出那些杂物。

很多时候，哪怕只是细微的变换下角度或者移动一点，便可以让照片看起来更出色。看看上边的两张照片，我边靠近石像边拍下了照片，我立刻意识到背景有些喧宾夺主了。三维场景映射到二维照片，背景往往会凸显出来，向左走两步便可以分离出想要表现的主题。

7、总是从站立的高度来拍照

很多时候，如果摄影者能够放低镜头（在你膝盖或腹部），拍出的效果也许会更好。

俄勒冈州沙丘上的****

我是趴在地上照出这张照片的，我可以让这些****占据整个图片的主导位置，并展示出了被风吹过沙丘的完美曲线。

这是另一个来巴尔的摩（美国马里兰州的一城市——译者注）的例子
很多照片都是爬到制高点来拍摄的：

内华达州瀑布——约塞米蒂国家公园

从你选则的高得不能再高的有利地势拍摄。你可以爬上一棵树或者通过你车窗拍摄（尽管上边的图片是从那样的角度拍摄的）

多走几步去爬附近的一座山来获取更好的视角，这只取决于个人决定。良好的角度并不会总可以发现，但你却可以很快学会如何鉴别角度和视角的好坏。这可以得到更多有趣和非静止的图片。

下面的图片是一张秘鲁库斯科的图片：

库斯科广场德阿马斯

很难找到一个有利地势来拍摄这张照片，我徘徊了一会儿，始终都在琢磨着如何拍摄出这个城市。

我一直都在寻找一个可以包含那个市场、两座教堂和带有文字山峰的角度来拍摄，但无论我走到哪里，我的视线不是被挡住就是无法拍下所有的内容

过了一会儿，我找到了一个废弃的教堂，在一个小女孩很热情的指引下我到了尖顶（她是非官方的钥匙保管者）。

我为她的友善给了一点小费，我们都很开心。

我得到了任何其他人都没有的照片，因为我为了找寻这个有利地形付出了更多的时间。事实上，其他任何地方都无法拍摄到这个城市广场了，因为根本没有开阔的视野。

关于这张响尾蛇的照片，俯下身子，跟这条蛇眼睛对眼睛很有趣生动。然后才站起来（不用担心，一个大玻璃窗让我很安全，这张照片是拍摄于动物园的;-)）

响尾蛇

8、只拍摄死板的人像照

大多数人都要在本已完美的场景前加一个摆好pose的人。不要误会我的意思，很高兴有人站在那里，但是有多少你真正有兴趣来欣赏和逗留呢？图片看起来毫无动感，人们总是摆同样的姿势。你还是站在蓝色幕布前摆姿势吧。

我不反对在旅行过程中拍摄人像照，其中有一些会很有趣，但是我想抓拍瞬间会是更好的选择。人们在一起嬉笑玩乐的场景会比让他们生硬的站在镜头前要有趣的多。

9、不愿意照上其他人

这种态度跟前一个误区正好相反，其实有绝对正当的理由来将其他人拍摄进照片。我常常等无关的人离开图片再拍摄，并没有意识到他们也是属于场景的一部分。出于版权原因，我通常只是发表人脸难以辨认或者至少获得口头许可的照片。

在图片中应该有人物的４条最常见的理由是：

1、引导观赏者进入画面。放置一个人物于主区域以外，并让他面朝主体。观赏者也会不自觉的认同这个人物。

2、给所拍摄的场景一个参照尺度。只有拍摄进一个人，观赏者才可以准确的明白“精致拱门”（Delicate Arch，位于拱石国家公园 (Arches National Park)内——译者注）的巨大：

或者给出场景的深度

3、人物本身就是场景不可获取的。一个演员或者体育场中的运动员

4、记录人们生活的照片，人物与场景紧密的关联在一起

10、比例错误的远景

你的相机拥有变焦功能，不是吗？使用它！

再回到刚才说的旅游摄影。很多人在一个很棒的场景前摆好姿势，比如说一座大山前，从近距离拍照。在照片中，大山因为人物的对比而显得过分的矮小。如果你尽可能的离得远一些，使用变焦拉近场景，这样人物和山脉的比例就恰当了（你可以拉进到你感觉舒服为止）

而且，既然你在变焦，山峦便会变得很大，使整个照片似乎更加有趣。你每个朋友一定会嫉妒你拍出如此棒的照片，因为它不仅是一个人像照，更有一个巨大有趣的背景（山峦）。

同样道理适用于没有人物的照片。如果你想拍摄一个前景和背景的主题，远离前景并拉近镜头。这将更好的突出出背景，这将让你的照片更和谐。

圣塔伊尼斯修道院（丹麦）和较小的十字架

圣塔伊尼斯修道院（丹麦）和看起来较大的十字架

上边两张照片唯一不同的就是我所站的的位置。十字架和钟楼在两张图片中距离相同，但上边的图片却压缩了钟楼和十字架的景深（太合我胃口了，所以我走近了几步）。有时候情形正好相反，你退后一些也许会让背景更近了。

靠近大炮，突出了大炮并矮化了背景中的堡垒（这正是我想要的效果，因为我想要展示大炮的尺寸）

一个在巴尔的摩堡垒的大炮

写在最后

艺术不是一件我们可以掠取和掌握在手中的东西，没有一定之规，没有对与错。规则是用来被打破的，而且很多我见到最令人惊讶的杰作都没有遵循任何规则。这篇文章仅仅是用来启发摄影初学者进一步思考和实践。

我也一直都在学习和发展我的风格。我决不主张拍摄完美的照片，有些人可能喜欢，但是其他人并不是这样。

然而，我已迈出了我的第一步，并且我也很乐意与我的读者分享我的见解。

这篇文章将是摄影系列的第一篇。到目前为止，我的写作重点放在工具技巧和技术。

无论怎样，我们都应该首先作为一个摄影爱好者和艺术家，去努力改进我们的技巧。在下个月，我希望可以写出更多关于摄影的文章，尝试深入钻研摄影技术（曝光、精神……）、艺术方面（构图、形式、布置）及更难以琢磨的（如何保持，如何预见情形）

希望可以很快再见到大家

原作者: Andre Gunther 译者: Cheney

摄影流派
开放分类： 摄影、流派

目录
• 写实主义摄影
• 绘画主义摄影
• 自然主义摄影
• 纯粹主义摄影
• 印象主义摄影
• 新现实主义摄影
• 达达主义摄影
• 超现实主义摄影



流派是由具有某种共同艺术观念、共同美学思想、共同审美趣味、共同创作倾向和共同艺术特色的艺术家形成或组成的具有一定社会影响的艺术团体或派别。

写实主义摄影

　　一种发挥摄影纪实特性的流派。在审美价值上往往是认识作用和教育作用大于审美作用，感召性和见证性多于欣赏性。写实摄影是一种源远流长的摄影流派，延绵至今，仍是摄影艺术中基本的、主要的流派。它是现实主义创作方法在摄影艺术领域中的反映。
     该流派的摄影艺术家在创作中恪守摄影的纪实特性，在他们看来，摄影应该具有"与自然本身相等同"的忠实性，画面中的每一个细节，只有具有"数学般的准确性"，作品才能发挥他种艺术媒介所不具有的感染力和说服力。A·斯蒂格利茨曾说："只有探讨忠实，才是我们的使命。"另一方面，他们又反对象镜子那样冷漠地、纯客观地反映对象，主张创作应该有所选择，对所反映的事物应该有艺术家自己的审美判断。著名写实摄影大师刘易斯·海因就说过这样的名言："我要揭露那些应加纠正的东西；同时，要反映那些应予表扬的东西。"可见他们崇尚艺术应该"反映人生"的观点。他们敢于正视现实，创作题材大都取于社会生活。艺术风格质朴无华，但具有强烈的见证性和提示力量。
　　最早的写实摄影作品当推英国摄影家菲利普·德拉莫特于1853年拍摄的那些火棉胶纪录片。稍后，则是罗斯·芬顿的战地摄影和六十年代末的威廉·杰克逊的黄石奇观。1870年以后，写实摄影渐趋成熟，开始把镜头转向社会，转向生活。如当时的摄影家巴纳多博士就拍摄了流浪儿童的悲惨境遇，而震动了人们。
由于写实摄影作品所具有的巨大的认识作用和非凡的感染力，逐渐在新闻领域中占据了自己的地位。九十年代美国摄影家雅谷布·里斯关于纽约贫民窟生活的那些作品，就是这方面的奠基作品。
　　随后，写实摄影家人才辈出，作品都以其强烈的现实性和深刻性而著称于摄影史。例如英国勃兰德的《拾煤者》；美国R·卡帕的《通故的法国女人被剃光头游街》；法国韦丝的《女孩》等等，不胜枚举。

绘画主义摄影

　　追求绘画意趣，以绘画造型原则规范自己的摄影创作。绘画主义分为两种： 1、绘画派：摹仿文艺复兴时期的画风，画面结构严谨，布局考究，经导演、摆布和暗房加工而成。情节性、叙述性和寓意性是其艺术上的特点。 2、画意派：寻找现实生活中的诗情画意，表现存在于自然中的美的形象。绘 画 主 义 摄 影

　　绘画主义摄影是励行于二十世界初摄影领域的一种艺术流派，它产生于十九世纪中叶的英国。
　　该派摄影家在创作上追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。它大致经历了这样三个阶段：仿画阶段；崇尚曲雅阶段；画意阶段。
绘画主义摄影家提出，“应该产生摄影的拉斐尔和摄影的提茨安。”
绘画主义摄影经历了较长的发展时期，第一个绘画主义摄影菜是英国画家希路（1802-1870），他擅长人像摄影，作品结构严谨，造型优雅。1851年至1853年，是绘画主义摄影的成长时期。1869年，英国摄影家HP罗宾森（1830-1901）发表了摄影的画意效果一书，他提出：“摄影家一定要有丰富的情感和深入的艺术认识，方足以成为优秀的摄影家。无疑的，摄影术的继续改良和不断发明启示出更高的目标，足以令摄影家更能自由发挥；但技术上的改良并非就等于艺术上的进。因为摄影本身无论如何精巧完备，还只是一种带引到更高的目标而已。”为该派奠定了理论基础。
1857年，OG雷兰德（1813-1875）创作了一幅由30余张底片拼放而成的、具有文艺复兴风格的作品：两种生活方式，标志着绘画主义摄影艺术上的成熟。
这一时期的作品，其题材大都富有宗教色彩，含有一定的规喻性。拍摄时，预告打好草图，然后利用模特儿、道具，组织和安排场面，并通过暗房加工而成。追求照片画面的绘画效果。
　　随后，绘画主义摄影的内容有所扩大，但风格仍崇尚古典主义，造型和构图仍具学院派的法则，因而显得储蓄、沉表、典雅。
当该流派发展到画意阶段时，追求作品的情感、意境和形式的美，依旧是它的特点。
由于绘画主义摄影家强调艺术修养：“如果想要使摄影在艺术上有地位，摄影家就必须首先培养起审美的能力和育实艺术的修养。”所以其※※功绩是把摄影从初期机械地摹写对象引导到造型艺术的领域中去，促使了摄影艺术的发展。
由于绘画主义的创作大都脱离现实生活，加上摄影器材的日益改善，人们［早美趣味的不断发展，为“自然主义”所冲击。尽管这样，在今天的摄影艺术殿堂中，仍有它的席位。
这一流派的主要摄影家和作品有：普莱期（?-1896）的男爵之宴、鲁宾逊漂流记、宝塔情景；罗宾林的当一天工作完了的时候、秋天、两个小姑娘、弥留、拿着毒药瓶的朱丽叶、黎明和落日；雷兰德洗礼者圣约朝霞之首、伊菲吉尼亚、优迪特与荷罗佛尼斯；金马伦夫人（1815-1897）的汤姆士卡莱尔和尼达（1820-1910）的弥留之际的嚣俄等等。

自然主义摄影

　　最早向模仿绘画的摄影流派挑战，要求题材真实而不是有意设计或安排。认为只有接近自然、酷似自然的作品才是最高艺术。 一八※※※，摄影家彼得·亨利爱默生鉴于绘画主义创作的弱点，发表了一篇题为《自然主义的摄影》的论文，抨击绘画主义摄影是支离破碎的摄影，提倡摄影家回到自然中去寻找创作灵感。他认为，自然是艺术的开始和终结，只有最接近自然、酷似自然的艺术，才是最高的艺术。他说，没有一种艺术比摄影更精确、细致、忠实地反映自然，"从感情上和心理上来说，摄影作品的效果就在于感光材料所记录下来的，没有经过修饰的镜头景象。"该派另一位大师A·L·帕邱说得更明确："美术应该交给美术家去做，就我们摄影来说，并没有什么可借重美术的，应该从事独立性的创作。"由此可见，这种艺术主张，是对绘画主义的反动，它促使人们把摄影从学院派的桎梏中解脱出来，对充分发挥摄影自身特点有着促进作用。 这一流派的创作题材，大都是自然风光和社会生活。 由于自然主义摄影满足于描写现实的表面现实和细节的"绝对"真实，而忽视对现实本质的挖掘和对表面对象的提炼，一句话，不注意艺术创作的典型化和艺术形象的典型性，因而，它实质上是对现实主义的庸俗化。有时会导致对现实的歪曲。 这一派著名的摄影家有德威森（1856-1930）、威尔钦逊（1857-1921）、葛尔（?-1906）、搔耶（1856-?）、萨特克利夫（1859-1940）等。

纯粹主义摄影

　　主张摄影艺术应该弘扬自身的优势，抛弃绘画的影响，提倡用纯净的摄影技术去求得摄影所特有的审美效果。纯粹派摄影是成熟于二十世纪初的一种摄影艺术流派。其创导者为美国摄影家斯蒂格里兹（1864-1946）。他们主张摄影艺术应该发挥摄影自身的特质和性能，把它从绘画的影响中解脱出来，用纯净的摄影技术去追求摄影所特具的美感效果－－高度的清晰、丰富的影调层次、微妙的光影变化、纯净的黑白影调、细致的纹理表现、精确的形象刻画。总之，该派摄影家刻意追求所谓的"摄影素质"：准确、直接、精微和自然地去表现被摄对象的光、色、线、形、纹、质诸方面，而不借助任何其他造型艺术的媒介。 科班一九一三年送展的俯瞰纽约，就是纯粹派中的佳作。摄影家从高处俯瞰纽约某个广场，虽没有任何加工、修饰，但新颖的构图，独特的造型，使人耳目一新，再如E斯坦诚的K桑德伯格，则是用多次曝光的手法，了独幅作品空间、时间的限制，在一个画面中细腻地刻画了诗人情绪的转换，影调的组合和构图的变化，极有韵律感。 从某个角度说，纯粹派的某些主张和创作是※※※※和自然主义的"混血儿"，后来则衍变成"新即物主义"。但该流派在一定程度上曾促进了人们对摄影特性和表现技巧的探索和研究。 这一流派的著名摄影家是斯特兰德（1890-?）和Group f 6.2摄影组织中的青年摄影家，如亚丹斯、根令翰等。 纯粹派后期的作品则向线条、图案和歪曲形象的抽象方面发展，其有影响的摄影家是亚博、史丁纳、史脱特文和伊凡思等。

印象主义摄影

　　借鉴绘画中印象主义风格。艺术上追求明暗和色彩在人的视觉印象中的感受。作品中的形象没有明确的线条和轮廓界线，亦不强调立体感和质感。一八※※※，英国举办了法国印象派绘画的首次展览。绘画主义派摄影家罗宾森在其影响下，提出"软调摄影比尖锐摄影更优美"的审美标准，提倡"软调"摄影。该流派是绘画印象派在摄影艺术领域中的反映。
开始，他们运用软焦点镜头进行拍摄，布纹纸洗印，追求一种模糊朦胧的艺术表现效果。随着"溴化银洗相法"和在颜料中混入重铬酸胶洗相纸法的出现，印象派作品从对镜头成象的控制发展到暗房加工。他们提出"要使作品看起来完全不象照片"，并且认为"假如没有绘画，也就没有真正的摄影。"
　　在这种理论指导下，印象派摄影家还用画笔、铅笔、橡皮在照片画面上加工，特意改变其原有的明暗变化，追求"绘画"的效果，如拉克罗亚在一九零零年创作的《扫公园的人》，就象是一幅画在画布上的炭笔画。印象派摄影家使自己的作品完全丧失了摄影艺术自身的特点，所以有人又把它称之为"仿画派"。可以说它是绘画主义摄影的一个分支。
这一流派的艺术特色是调子沉郁，影纹粗糙，富有装饰性，但缺乏空间感。其著名摄影家有杜马希（?-1937）、普约（1857-1933）、邱恩(1866-1944)、瓦采克(1848-1903)、霍夫梅斯特兄弟（1868-1943;1871-1937）、杜尔柯夫（1848-1918）、埃夫尔特（1874-1948）、米尊内（1870-1943）、辛吞（1863-1908）、奇里（1861-1947）等。

新现实主义摄影

　　以平凡的题材表现形式美，以朴实的摄影手法，产生强烈的视觉冲击力。新即物主义摄影又称"支配摄影"、"新现实主义摄影"。为本世纪二十年代出现的一种摄影艺术流派。 该流派的艺术特点是在常见的事物中寻求"美"。用近摄、特写等手法，把被摄对象从整体中"分离"出来，突出地表现对象的某一细部，精确如实地刻画它的表面结构，从而达到眩人耳目的视觉效果。它不考虑艺术的本质在于提示对象的本质，因而其美学思想是属于自然主义范畴的。例如，摄影家帕邱在一九二三年拍摄的火车头的回转轴就是用近摄手法，表现了火车头回转轴运转时的状态，由于画面摒弃了其他细部因而给予观众的视觉印象是强烈的。 新即物主义的理论先驱是斯特兰德，他对即物主义艺术特征作了如下规定："新即物主义乃是摄影的本质，并且也是摄影的产物和界限。"他认为，摄影"对生命的表现极强，而且需要观察正确事物的眼睛。为此，并非根据敷衍的过程和操作方法，而是必须运用纯净的摄影术才行。"新即物主义摄影的创作先驱则是阿杰和斯泰肯。而实际创始者为上面提到的帕邱。 帕邱反对摄影依赖于绘画，他强调摄影艺术必须依靠摄影的自身特性，认为摄影的审美价值隐藏在自身的特性里，只有充分发挥摄影的自身特性才能创造出美，他说："绘画应该随便由画家去画，只有根据固有的特质，才能创造出可以自立的摄影，没有任何东西是从绘画所借用的"。新即物主义摄影家的功绩是促使人们对摄影自身特性的研究和探索，把摄影从审美性的虚幻世界中拉回到现实生活中来。但是，由于过分强调了细部物质表面结构的描写，为后来的抽象主义摄影提供了萌发的土壤。 一九二五年前后，由于出现了大口径的小型照相机，新即物主义的表现领域有了新的发展，产生了不少人像作品及反映社会生活和自然风光的作品。 新即物主义的著名摄影家有桑德（1876-1964）、勒斯基（1871-1956）、黑葛（1893-1955）、希尔夏（1881-1948）休利曼、霍培（1878-?）、埃夫特（1874-1948）、威斯吞、亚当斯（?-1902）等。

达达主义摄影

　　与传统和理性对立，宣称与美学无缘。通过暗房、拼接等技巧构筑作品。“达达派”是第一次世界大战期间出现于欧洲的一种文艺思想。“达达”，原为法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的不连贯语汇。因为达达主义艺术家在创作中否定理性和传统文化，宣称艺术和美学无缘，主张“弃绘画和所有审美要求”，崇尚虚无，使创作近乎戏谑，因而人们把该艺术流派称之为“达达派”。在这种艺术思潮影响下，摄影艺术领域中也产生了“达达派”。著名摄影家哈尔斯曼创作过一幅蒙娜丽莎，她那双丰满的手在这里不仅变成了青筋暴突，汁毛丛生，而且还塞满了钞票。真可谓荒诞无稽，不伦不类。 达达派摄影艺术家的创作，大都是利用暗房技术进行剪辑加工，创造某种虚幻的景象来表达自己的****。例如LM纳基的勒达和天鹅，把一个美丽的希腊神话故事，处理成某种晦涩怪诞、不可捉摸的图象与线条的组合。在画面中，可视形象已不再以其自身的意义存在，而只是某种****的构成元素。还有人用翦辑的手段，使尼亚加拉大瀑布涌向纽约，制造了一个荒廖的世界末日的姜闵景象。 由于达达派摄影艺术作品不符合人们一般的审美趣味和审美要求，1924年以后就逐渐受到有较明确、完整的艺术纲领的超现实主义艺术流派的冲击。但其影响仍可在以后出现的现代派摄影艺术中窥见。 达达派的著名摄影家有菲利普哈尔斯曼、摩根、拉茨罗摩荷利纳基和利斯特基等。

超现实主义摄影

　　认为将人类的下意识、灵感、梦幻形象化才是艺术的广阔天地。利用技法做出荒诞的、不可思议的效果情节。超现实主义摄影为达达派没落时期出现于摄影艺术领域中的一种流派，兴起于本世纪三十年代。这一流派有着较为严谨的艺术纲领和艺术理论。他们认为，用现实主义创作方法去表现现实世界是古典艺术家早已完成了的任务，而现代艺术家的使命是挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的"心灵世界"。因而，人类的下意识活动，偶然的灵感、心理变态和梦幻便成了超现实主义摄影艺术家们刻意表现的对象。 摄影中的超现实主义者也象达达派摄影家一样，利用剪刀、浆糊、暗房技术作为自己主要的造型手段，在作品画面上将景象加以堆砌、拼凑、改组，把具体的细部表现和任意的夸张、变形、省略和象征的手法结合在一起，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的"艺术境界"。所以其效果是奇特、荒诞而又神秘的。 该流派的创始人是英国摄影家丝顿和美国的布留奎尔（1880-1945）。真正完成者为英国舞台摄影家马可宾（1905-?），他在自己的创作中，把"超现实"的虚和现实中的实揉合在一起，创造了一种既虚幻又实在的境界。例如，他在一九四六年创作的《马可宾的自画像》就是一幅很典型的超现实作品，它是运用四次曝光的手法拍摄出来的－－一次正面，两次侧面和一次一只眼睛。 这一流派的著名摄影家有从事超现实主义集锦照片的画家帕尔汗；变形人体摄影家布兰特；肖像兼宣传摄影家卡逊以及布鲁门塔尔、洛林、哈尔斯曼、赖依等

title]抽象主义摄影
　　艺术的本质是感情宣泄，将点、线、面、影调、色彩等抽象符号以某种组合方式来表达感情。认为具象向抽象转化是一种艺术上升华。抽象摄影为第一次世界大战后出现的一种摄影艺术流派。 该流派的摄影家否定造型艺术是以可审视的艺术形象来反映生活、表现艺术家审美感受的这一基本特性，宣称要把摄影"从摄影里解放出来"。 初期，用无底放大法省略去"被摄体"的细部纹理和丰富影调，制作成仅表现其形状的"光图画"。后来发展到或运用光线，或剪辑集锦，或中途曝光，或拍摄时震动照相机使被摄体形象在底片中的结象模糊，或多次曝光使之重影，直到改变画面的表面结构，改变被摄物体的原有形态和空间结构，力图使用所谓形式、影调（色彩）和素材的"绝对抽象的语言"，使被摄物体转变成某种不能辨认为何物的线条、斑点和形状的结合体。以表现该派艺术家奉为圭臬的所谓人类最真实、最有本质力量的潜意识世界。在作品中，被摄物体只不过是被艺术家借来随心所欲地产生表现自身想象和个性"旋律"的音符。 抽象摄影的发轫者为泰尔博（1800-1877）。开始时，作品画面仍保持一定程度的可辨认性。至一九一七年摄影家科班（1882-?）用木片和透明玻璃碎片拍摄的《波尔多画报》就已完全不可辨认了。一九二二年，匈牙利抽象画家莫荷利纳基（1895-?）在曼瑞（1890-?）等人的基础上加以发展，并从理论上予以确立。随后，抽象画家康丁斯基、克勒等引进了显微摄影和X光摄影，从而大大扩大了抽象派摄影的表现范围，丰富了摄影艺术的语言，建立了自己的艺术体系，并风行于欧美等国。 该流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬宁格、安真兰特、佛莱泰、温隙斯特、格连巴晤、夏德和布留奎尔等。

title]主观主义摄影
　　认为摄影应该是人格化、人性化的艺术。画面中的影象是具象或是抽象，都不过是自我表现的形式而己，是摄影家的感觉、意识和情绪。 主观主义摄影是一种在第二次世界大战后形成的比抽象派摄影更为"抽象"的摄影艺术流派，所以又称作"战后派"。它是存在主义哲学思潮在摄影艺术领域中的反映。其创始人是德国摄影家奥特·斯坦内特。他认为，"摄影是本来具有发挥自己能力的宽阔领域，也具有高度的主观能动作用。但目前却成了一种机械的写实主义"。于是提出了摄影艺术主观化的艺术主张。极力主张摄影艺术的终极应该是提示摄影家自身的某些朦胧****和表现不可言传的内心状态和下意识活动。"主观摄影就是人格化、个性化的摄影。"这便是该流派的艺术纲领。主观摄影的艺术家们极度强调自己的创造个性，蔑视一切已有艺术法则和审美标准。该派理论家公开表示，"主观摄影不仅仅是一种试验性的图象艺术，而是一种自由的不受限制的创造性艺术。""我们可以任意使用技术手段去创造照片。" 其特点是：1 画面有"具象"和"抽象"两种，不论何种造型形式，自我****的表现是其最终目的。画面中的一切只不过是摄影家表现自我的"载体"而已。2 充分利用镜头的透视特性，把被摄体从现实中"剥离"出来，"移"到画面上去，－－即使用镜头的某些光学性能，把客观的物体加以改造，使之成为****的"物化体"，从而在画面中组合成创造出自己的"世界"。而这世界往往是荒诞、神秘的，或者是令人百思而不得其解的。 3 利用近摄手段清晰而又强烈地强化和突出表现物体的某一细部形态。 4 运用暗房技法，把被摄对象原有的丰富影调简化，将自然、平凡的关系转换成强烈的视觉关系。 5 利用曝光手段（如多次曝光、连续闪光），使被摄体从时间概念中分离出来，能动地把时间概念和空间位置加以调换。

　　其著名的摄影家除奥特、斯坦内特以外，还有杰·施莫尔、肖·范欧坎、兰·佩恩、莫·弗克尔特、本章光郎和崛内初太郎等。

　　堪的派摄影是第一次世界大战后兴起的、反对绘画主义摄影的一大摄影流派。
这一流派的摄影家主张尊重摄影自身特性，强调真实、自然，主张拍摄时不摆布、不干涉对象，提倡抓取自然状态下被摄对象的瞬间情态。法国著名的"堪的"派摄影家亨利·卡笛尔·布列松说过："对我来说，摄影就是在一瞬间里及时地把某一事件的意义和能够确切地表达这一事件的精确的组织形式纪录下来。"因而这一流派的艺术特色是客观、真实、自然、亲切、随便、不事雕琢、形象生动而富有生活气息。
"堪的"派中的摄影家，就其美学思想和创作倾向而言，情况是比较复杂的，虽然他们都崇尚人性世态的表现，且大部分都从事于新闻摄影工作，但有的为自然主义者，有的为写实主义者。
　　该流派的催生作品是一※※三年摄影家阿尔弗雷德·斯迪格的《纽约第五街之冬》，而真正完成者则是德国的摄影家埃利克·沙乐门博士。他用小型相机在一次德法总理举行的夜间会议结束时拍摄的《罗马政治会议》，由于它的生动、真实、朴实、自然，而成为该流派名垂摄影史的经典作品。
　　在摄影美学上，他们认为"以摄影的基本特点为基础的照片，是画家或蚀刻家所无法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表现力，甚至是用其他媒介不可能表现出来的特性"。其次，对客观事物的表现，他们重视和强调独创性，说："（摄影家要用）自己的眼光来看世界，不要通过别人的眼光来看世界，而这正是区分照片是平庸还是高明，有价值还是没有价值的标准。"
该派著名的摄影家有美国的托马斯·道韦尔·麦阿沃依；英国的茜莉特·摩戴尔；法国的维克托·哈夫门；以及路易斯·达尔·沃尔夫、彼得·斯塔克彼尔·布鲁维奇等等。

筑路工

真经